李文枫——有酒的秋天

左的庙堂  左小祖咒《庙会之旅II》

左小的新唱片，向来需要端上一杯酒，或者边听那一段段隐藏在荒腔走板当中的苦难，一醉方休，或者拿手指头蘸着酒在桌子上，记录里面比诗歌更诗歌的歌词。

奥斯维辛之后没有诗。所以有比诗歌更加诗歌的左小祖咒。在和谐社会里面沉浮，听苦鬼唱歌和哀号。哪里还需要诗呢？当年李敖写的在监狱里面我从不写日记，所以我在台湾从来不写日记。那么我们是不是也不用日记了？

于是我们来看这份庙会之旅的歌词吧，左小的真正目的恐怕不是一个大杂耍的庙会游园。第一首歌《吹牛》歌词最后一段，已经将这张唱片的主题说了个通透。“我想对这个国家负责”。

在公民社会，每个人都可以对国家负责，所以这首歌曲里面写到了韩寒和艾某某。

这张唱片噱头之一是陈升合唱的《爱情的枪》，祖咒有枪的情结，或者与他当过兵有关？当年《我不能悲伤的坐在你身旁》就把爱情与枪写在一起。这张12年后推出的续集里面，祖咒又一次使用了枪与爱情。复杂的歌词里面谈的也不知道什么是爱情什么是真理什么是社会。反正他要用枪去赞扬和毁灭。陈升认真的学习左小走调式唱法，两个爷们走调大合唱的杀伤力，一定超过了枪杆子的威力。

近日听北京的朋友说北京文艺群的冷笑话：左小祖咒约了个姑娘去家里，放自己的歌曲给该女生听，女生听了大惊，这是谁搞的音乐，太难听了……这首《爱情的枪》是在调戏谁的爱情呢？要调制成国际爱情连续悲剧，才需要这么较劲的两个爷们合唱吧？

前几天看到有人在微博上宣称喜欢《咖啡时光》。这首歌曲无论音乐还是歌词都是整张唱片比较弱的一首。歌词中的意向和力量释放并不明朗，比起开盘的《吹牛》或者是《爱情枪》并不是一个档次的，唯一明确的是歌曲名字，喝咖啡的隐喻，跟纪检请人去喝咖啡的说法以及香港廉政公署的喝咖啡说法似乎很有吻合的地方。苦鬼过个12年社会生活，被拉去喝咖啡，似乎也有点正常吧？

唱片无论音乐还是歌词，在《苦鬼2011》当中达到了高潮。从苦鬼12年第一次被唱出来，到后来一直反复出现。苦鬼的形象从苦哈哈的艺术家，文艺青年，装X犯们，终于范围扩大大到人民的范围。这一次不是悲伤的运动在平安大道，而是在上访，在做钉子户，在坐动车，在翻掉的船里，在火灾当中挣扎，在整个社会的公权、私恨当中咬牙切齿的悲伤。苦鬼再也不是没有出头之日的艺术家，音乐人，文青，而是你、我、他。歌曲非常舒缓和动听。甚至超越《我不能悲伤的坐在你身旁》这类情歌。抛开编曲的细腻，半念诵的演唱，依然不断走调，依然在走调中隐含着你看不见的悲伤。左小像汤姆·怀兹一样用难听来打动人，用走调来演绎悲剧。这样的高潮段落。升起在你的眼前。降落在你的生活里面。

我们的所有自我欺骗，还有所谓价值观，在苦鬼的欢欢行进中逐渐崩散成覆盖在每个人身上的尘土。被迫投降是自我创造的懦弱。就想钉子户永远只能死在自己房顶上，却永远不敢冲出家门。去吧，继续做那个死在襁褓里的苦鬼。

就到这里吧，这张《庙会之旅II》从音乐，到生活，从国家到人民。无论音乐还是歌词，究竟该如何评论，笔者也就只能乱写到此。太多言语今天无法写出，因为我们距离能够评价它还至少有12年要走。12年后如果有公民苦鬼，或者就能够真正评价，今天的这张唱片。

吹牛：歌词的冷幽默和舒畅的节奏联动之作

爱情的枪：唱片主打歌曲，适合汽车里面听，保证在拥堵或者水淹路面里不闷了

苦鬼2011：苦鬼是唱片中心人物，这次又是苦鬼的一次轮回。

钉子户：有个游戏叫钉子户大战拆迁队，推荐做该游戏主题曲。

最高处：与封面站在高处的驴子很是相得益彰。音乐相当大气。

 

 

画面的囚笼

 

只有左小才能这么理直气壮的发一张没有发表的电影的原声唱片吗？事实上在国外这种情况并不少见。这张《你知道对方在那一边》作为电影的附属物，如今反而成了主角。大家不禁要问，究竟是什么电影呢？你知道对方在那一边，那么对方是谁，是在哪里？

这一连串的问号代表了这张唱片的最基本的属性——在中国无法出版，无法发行的艺术作品有很多。究竟是谁在钳制如此众多的艺术家呢？

绕开上面的话题，我们详细的讨论讨论这张唱片的艺术性。不同于左小祖咒上一张电影原声《美国》，那张里面脍炙人口的《乌兰巴托的夜》，一脉酒鬼画面，致使众多平面设计师，在深夜工作到疲倦的时候，必定搬出来聆听——号称设计师必备歌曲。

《美国》也因为民族化，拥有比较强烈的新世纪音乐的属性。

这张《你知道对方在那一边》基本由纯音乐组成，不幸的是，里面依旧是左小祖咒朋克或者不靠谱的音乐习惯。优美的小提琴后面要混杂噪音。低音电子的燥叫是为了动听的手风琴做铺垫。还有更不靠谱的吗？有，里面三首带有人声的歌曲，第一首《4月》是个可怜的不断表演走调的女生。声音也被故意扭曲，做成类似LO FI（低保真）的效果。《年年有个三月三》请的是民间艺人郭永章表演，很民间的对白式样唱诵，唱诵后面居然使用工业金属吉他伴奏。《湖边》则是个非常华丽的翻唱。这首堪比《忐忑》之类神曲的歌，歌词俨然毒辣刺人，音乐也无厘头到极限，或者真的是左小祖咒向龚琳娜挑战的一曲？

唱片请李带果参与显然是件非常过瘾的事情。李带果的演出前不久在广州从化有幸见过，他与朱芳琼两人联手生生赶走了一批免费参加的社区民众，700人45分钟后只剩了一半。这可是真正的人民艺术家，保证你能够获得听觉极限。

在极限这个事情上，我们建议左小祖咒至少找上海的操俊军同学合作上几首歌曲。或者桂林的周沛同学。

音乐在表达方面注重的究竟是啥呢？耳朵的鸡汤或者心灵的春药吗？如果要追求这个，你大可以听听邓丽君或者白璇。实在不行就近听听黄龄也不错。但需要告诉大家的是，电影原声追求的是在画面之外的氛围和立体的囚笼，好把大家装载在故事情节里面。

左小祖咒的歌曲向来就是个囚笼，无论《平安大道》《阿诗玛》还是《美国》里面的歌。无论噪音是否参与，还是多么动人的小提琴什么什么的。左小的歌曲本身就已经完成了故事情节的推进——看歌名就知道了。

与其他的电影原声比较？这还真是困难，《拆火车》？《燕尾蝶》？难道是北野武？

 

四月：好歹也是女生全部唱完的。类似上海滩歌曲的风格，而且故意做成走调。多有趣。

主角失踪48小时：深沉的大提琴，隐蔽而幽默的小背景都很开心

我只是懒得理你：大约是手风琴比较好听些，在听整张的时候可以休息下耳朵。

湖边：合唱和翻唱，都是亮点，而且戏谑的味道尤其浓烈

马屁公司开会：整张唱片到这里基本到底，整个故事也基本完结。

 

从鲍勃迪伦演唱会谈演唱会及音乐节迅猛发展

来中国演出的国外摇滚、独立音乐巨星越来越多，级别也越来越高。从2006年滚石乐队在上海演出；2007年平克·弗洛伊德乐队在中国演出；直到今年，席卷全中国老中青文艺人士的美国民谣之王，统领美国民谣界至高点近50年的鲍勃·迪伦，北京、上海两场个人演唱会。加上近几年，全国如雨后春笋般四处拔地而起的音乐节中，不断显身的外籍乐人，进行的非个人音乐会。诸如爱尔兰著名个性女歌手辛妮·奥康纳去年参加的苏州音乐节，今年即将到北京参加平谷音乐节的艾薇儿……他们的到来显然刺激了无数音乐爱好者的神经，纷纷不惜千里前去观看，更让国内的音乐人，尤其是独立音乐艺人见识了高水准的演出，几乎每一次国外大牌们到来，都是他们新的一次培训机会。国外乐人的素质和影响力使得音乐节的主办者们越来越青睐在每天压轴的演出名单上，用上外籍艺人！

2009年制作最好的音乐节成都热波音乐节上，共邀请了来自美国、法国、瑞典、以色列四个国家的五支乐队。2010年杭州西湖音乐节有德国、新加坡、图瓦共和国、英国等多支国外乐队。2010年长阳音乐节，邀请了前石玫瑰乐队主唱Ian Brown、Zero 7电子组合等三组国外音乐人。2011年的外援部队迅速提高规格，五一期间以平谷音乐节为首，邀请了艾薇儿等来自日本、法国、美国等多组国外艺人。迷笛音乐节（门头沟）则以Mr. Big为主打，带来了四组美国、澳大利亚、日本、瑞士艺人。草莓音乐节则以日本的MONO为首邀请了美日法四组艺人。

在音乐节层出不穷的今天，举例如下，以北京为例，在大北京范围内有望今年举办的音乐节就有长城探戈坞音乐节（延庆）、京浪音乐节（门头沟）、长阳音乐节（房山）、摩登天空音乐节（海淀）、杭盖音乐节（顺义）、世界城市音乐节（朝阳）、无限星空音乐节（东城）、地坛民谣音乐节（东城）、INTRO电子音乐节（朝阳）……等等。为避免艺人同质化，以及提高影响力，对乐迷更大吸引力，各个音乐节显然不得不从大陆地区之外邀请更多的艺人参加。北京如此，杭州、苏州如此，其它城市又岂能避免呢？

 

 

外来音乐与蓬勃发展的国内音乐节嫁接模式

    音乐节其实就是国内的音乐活动以几何级数的速度，迅速在全国遍地开花，越来越多的国外音乐，尤其是昔日列为禁忌的摇滚乐人，能够有机会在他们心目中的神秘国度的民众面前展现自己的风采。这不得不说是一个双赢的局面，甚至是多赢。地方政府、音乐人、演出组织方都能得到相应的利益，更多则是观众更获得了广阔的视野。在如今国人经济条件好转的时候，以更低的成本接触到了世界乐坛。在音乐产业如此低迷的今天，新兴外援部队的音乐节模式，显现更加欣欣向荣的发展趋向。

但种模式也非全部是正面的。2009年厦门音乐节上，邀请了张悬演出的那天，笔者有幸在现场。发现外面围墙被中年男撕了个大洞。2010年热波音乐节的墙壁外面，某超女出身歌手演出，笔者在围墙旁边看到了年过70的农村老太太，颤巍巍的翻墙而入。2010年张北音乐节里面无数草原中年男昂首直入……我们不能因为这种现象去怀疑和打倒什么。但外籍乐人或者更多并不搭调的类别的乐人，能够对音乐节如此错综复杂的地理人文情况带来什么的提升动力呢？

更多的音乐节？更多的观众？更多的媒体曝光？

与外来音乐冲撞对国内独立音乐正面负面的影响。乐人类别，暂且不管。音乐节本来就是包容的音乐主题集会。音乐类别并不重要。否则何必分主舞台、电子舞台、民谣舞台呢？关键点是音乐人资源的冲突——演出市场的蛋糕到了一定规模就不会再膨胀了。那么谁来切最大的一块。在唱片销售滑坡日益严重的时代，演出决定了音乐人的收入。而收入则意味着音乐人的成长。

没错就是这样。有多少资源，才会有更多的成长。音乐行业人才的培养并不廉价。好一点的木吉他动辄就几千，日常使用吉他弦差的17块钱一套，好的少说上百。一套架子鼓，国产的一千多，但往往是玩具，稍微能用一点的仅仅是军鼓也是3000多以上。乐队器材、日常排练、学费、练习场地等等费用都足够令人望而却步。

麦当娜演出好看吗？仅仅是几十吨重的钢制舞台的运输费用，或者是伴舞队伍的费用，数字列出来会吓倒多少人呢？

收入代表的就是资源！

外籍艺人过多的挤占中国市场，那么国内艺人发展必然面临停滞不前，以及永远沦为暖场身份的尴尬场面。

音乐殖民地？

这方面美国人非常的坚决。1964年披头士乐队在美国巡演大获成功，引发了第一波英伦音乐入侵美国娱乐界，史称英伦入侵。1966年英国乐队再次入侵美国。第一轮入侵当中，美国人处于懵懂的状态，只是被动的推出类似海滩男孩这样的组合，模仿披头士的成功经验。因此在第一次英伦入侵当中，英国人淘金无数。第二波入侵则是布鲁斯味道更浓，节奏更加强劲的乐队如谁人乐队等这一波入侵持续到1968年，全球反叛的开始。美国人终于找到了像吉他巫师吉米·亨德里克斯、大门乐队这样的艺人，甚至反攻英国、欧洲。1970年代初期之后，美国唱片业协会，以及电台的联盟等与音乐结合非常紧密的组织，宣布抵抗英伦入侵保护本土音乐产业，要求各大电台限制播放外国音乐的时间。并在国家层面限制外来音乐制品的进口。

该措施宣布之后，英伦入侵始在美国被遏制——美国人在商业上向来蛮横，这从近年中美贸易摩擦就能清晰感受。

美国人如何且不多论。我们这里只是要借鉴经验。娱乐业强大无比，占据世界第一的美国人尚且如此慎重对待外来音乐行销。这是非常需要提醒广大从业人员，包括政府机构的。

如何在外籍音乐与中国音乐主题活动嫁接，并产生影响力，推动音乐市场整体发展的同时，保护好本土音乐产业呢？？？但愿我们不用像韩国艺人那样，需要走上街头去游行。

 

音乐发展中的政府现象，显示出政府经济文化发展观念的转变

之所以提到美国政府曾经干预保护本土音乐产业，首要是因为目前各地音乐节的政府指导角色。从广东的增城市政府直接主导举办音乐节开始，以此为界，号称另类的音乐节为政府及城市带来的良好宣传效果开始为政府的官员们所发现。无论是作为旅游业的拉动（张北音乐节就是成功的典型），还是作为城市名片。甚至是城区名片（如北京各区竞相举办音乐节）。这种音乐游园会的玩法，在中国日益庞大起来的汽车消费族群当中，已经成长为不可忽视的旅游活动、文艺集会、宣传展示的机会。

当然，地方的发展，媒体的密集曝光，对于主办政府来说也是良好的业绩。纵然音乐节中大量的摇滚乐、独立音乐，但通过审批等控制形式，仍然是不错的宣传工具。这对音乐节带来更多的生存生长的机会。

这是中国特色的音乐节高速公路。也是长期有特色的音乐发展道路。至少这样做还能将大多数桀骜不驯的摇滚乐叛逆艺术家，逐步归并到政府的渠道当中，免除了相当多的危险。这也是音乐节带来的好处之一吧？

 

音乐节发展中乐迷的推动力

除了发展中保护本土艺人。所有音乐节毕竟都需要观众。而且观众的付出，也是音乐节能否成功的关键。为什么北京及周边可以有这么多音乐节呢？因为北京人有钱？因为有车能走远？因为北京人够闲？

第一届迷笛音乐节是在北京香山脚下的一个院子里面举办。无需门票，无饮食摊档，无安保人员，甚至演出组织人员也没有。大约就定了个顺序上就得了。1999，北京第一个音乐节就这么做的。直达搬家去了朝阳公园之前，迷笛就这么乌托邦的成长着。

12年过去。北京城市大部分的媒体从业人员都曾经在迷笛音乐节里玩过。大部分的市民都能够坦然接受某乐队就是邻人之子的生活角色。大部分的北京市民对于看一场演出几百块门票，以及出郊区进行运动型消费习以为常。周日下午北京进城的通道一定塞车，就这么来的。

文化一定需要传播的基础。

1969年伍德斯托克的成功来自，汽车的普及，媒体的传播，文化消费的基础。那么，在北京同样已经具备。草原音乐节，大多数人还是乘坐大巴前往，但张北音乐节，号称聚集10万人，并成为了全国车辆最多的乐迷集会。如果没有他们的热情，北京其它城区如何会纷纷举办自己的音乐集会？牵着自家的狗儿，拿着LV包包，穿着冲锋衣裤，扛着帐篷的鲜活女孩，就是音乐节的参与者，他们也是最根本的推动力。

 

音乐节如何从根子上推动中国本土的音乐文化？

这里的问题第一点，比较复杂的是，中国本土音乐文化特色是什么？第二点传播途径？

汉族人的文化特性就是融合。无聊笛子、琵琶等诸多中华民族的乐曲、乐器，都不是孔子立下儒家学说时代汉人所属。那么当代中国可分的传统音乐、民族音乐、古典音乐、现代音乐、当代流行乐。除了第一项保存了大多所谓中华传统，包括民族音乐，都已经有着严重的欧西音乐的影响。大多甚至是直接照搬。后面这几类民间流传的结果，就显示在音乐节上——一定会准备的吉他、贝斯、架子鼓。越多的场合出现它们，那么文化融合速度就会越加快速。前面提到的英伦入侵，后来的几次，美国音乐人用以对抗英国人的，就是加快与之融合。丰富本土音乐的品种，提高质量，从而保障音乐市场不落入他人手中。

更多的音乐节必将大大缩短，国人音乐进化的速度和质量。

第二点传播途径。音乐节本身就是传播的综合载体。各类媒体，各种视觉，各种文化的综合。那么越多的音乐节，必将带动更多本土音乐的传播。从点，到面，到深入民众的生活成为习惯。

 

鲍勃·迪伦的演出，国内某另类天王两场全部到场，但事后他说睡着好几次。部分媒体也报道说，观众很积极的前往，然后打酱油而返。还有乐评人们内部讨论说，貌似没几个人能跟唱迪伦超过三首。听着打口一代成长的国内乐迷，还是太流于唱片这种低价高效，而且可以反复聆听的方式。经济决定文化。现在终于可以从越来越多，愈加丰盛的音乐节、演唱会种获得更多，更直观的音乐感受。不再仅仅是仰慕、尊敬、而是将音乐摆放在触手可及触眼可观、触耳可听的舞台上。

无论如何，音乐节的形式，会给大众带来广阔音乐的天空，但操作者却仍需谨慎处理，为了更加美好的未来。

 

流行乐坛，近几年很是颓靡。全球唱片销量持续下降，香港的HMV都关了分店。而美国人也在隆隆几年的说唱中厌倦了黑人说唱手们。诸如Lady Gaga和Justin Bieber异军突起，似乎有着改变江山的能力。一个身为一代雷神，一个则为萌主。这两种风格究竟谁能够坐稳江山？或者两者都是一阵风，吹过就散入青烟？

 

成功：

 

新闻摘要：美国著名杂志《福布斯》于当地时间18日公布了2011全球最具权势的名人100名，现年25岁的雷人天后Lady Gaga挤下蝉联4年的脱口秀女王奥普拉，成为世界上“最有权势的名人”。年仅17岁的贾斯汀·比伯跻身第三位，成为该榜单史上最年轻的明星。

 

从前年开始Lady Gaga的名字不断走入人们的眼帘。一开始只是因为她红，之后稍作了解，则每个人都被她花样翻新层出不穷的雷人造型所击倒。无论是今年格莱美的巨蛋外壳和外星人范儿。还是昔日的铁笼装或者血涂人。Lady Gaga无所不用其极的制造了一个又一个雷人的形象，向这个世界的美学发出挑战。

排名第三的Justin Bieber成名来自清越的嗓音，高亢，清澈，而且可爱的邻家男孩形象。简单的用现在的词来说，就是以萌为武器。包括他的成名曲名字都萌得乱七八糟——歌曲《Baby》，全球视频点击率超过5亿次……这就是萌的力量。

Lady Gaga前不久宣布微博全球粉丝超过千万，而Justin Bieber紧随其后900多万粉丝。Lady Gaga去年收入9000万，但制作团队可能会掏走大部分的钱。Justin Bieber去年收入5300万，费的仅仅是木吉他和帆布鞋……经常自己弹唱，连请乐手的钱都省了。按照这样计算纯利润远高过派福布斯权力榜第一的Lady Gaga。

这么算起来，雷神和萌主，尽管雷神表面风光，但萌主则是落个实惠？

 

雷神

Lady Gaga从2009年开始起步，在3年中几经努力，终于获得了5份格莱美奖。但从音乐理念上，她的唱片仅仅是反复发的几个单曲，和电子舞曲的大俗风格。她的嗓音并不算好。或者在她前面有着麦当娜这位流行乐大姐大的示范作用，昔日麦当娜也是靠一个《性》纪录片出位，造势成就了现在的名业。那么Lady Gaga的各种雷人方案，从美学的角度，已经在全球人心目中占据了重要的位置。而且这种革命性的视觉表达经过三年的普及，已经如同当年的性这个话题一样，深入人心，并且成为了她的招牌菜。很有可能如同麦当娜一样成长起来。但她的弱项是音乐。麦当娜善于用人，每次她都能够找到很好的新锐制作人，为她制作音乐。而Lady Gaga显然视觉团队占的比例过大，在音乐上投入不够，而且选拔人才也缺乏麦当娜的慧眼。

那么Lady Gaga，下一步该如何？解散视觉团队俨然不可能。有报道宣称，视觉团队，占用资金庞大，使得她赚的大部分钱都落入他们的口袋。甚至多数时候她还要负债。所以，Lady Gaga的问题还是如何经营自己，音乐事业和理财，才是她的关键点，至于雷人始终是流行乐行业的噱头，长期下去，人们也会如同厌倦其它音乐风格造型一样，逐步淡出。

雷的力量只能做一时打算。

 

萌主

萌，也就是可爱牌。这张招牌可是成功了无数人物，从昔日的秀兰·邓波儿，到今天的Justin Bieber，中间还有我们曾经的小甜甜布兰妮，或者是男孩组合们，后街男孩、超级男孩等等。无不是靠萌上位。

人们喜爱宠物无非也是喜欢萌的风格。人们愿意生孩子，也不就是喜欢孩子的可爱天真吗？那么萌，是人们永不厌倦的审美习惯。因为它发自人的本能。

那么Justin Bieber的明星之路呢？他出道的时候仅仅15岁，也是依靠视频出位。但他有个优势——视频展示的是他音乐的萌感和非常有特质的嗓音。在萌的外表下，Justin Bieber事实上是一位实力派歌手。

但Justin Bieber是个还没有过完变声期的实力派……也就是说，他随时可能从天使变成土蛋，声音一旦改变，他的萌和特质则一无所有。萌派人物们统统遭遇过这个难题。秀兰·邓波儿童年电影无比好看，长大之后无论演技还是长相骤然平凡。迅速被电影圈遗忘。后街男孩成年之后，各自发展，音乐方面基本没有建树。风靡一时的韩国组合们，解散后，大多转向电视界……还有很多这样的例子。Justin Bieber未来如何，可能比雷神姐姐还要坎坷。

一切就看变声期，但现代技术发达，激素等等手段层出不穷，他较长时间保持住现有状况也很有可能。但，观众们能否接受一个大叔还撑着清亮如女子般的嗓音吗？

 

裂变

小甜甜布兰妮，经过拍卖处女权一案之后，迅速转换为欲女。挖掘Justin Bieber的幕后老板Usher也是16岁被制作人从街头捡来，成为如今的天王。萌如何成长，保持事业的热度，关键点在如何改变。

这种改变有时候往往非常彻底，堪称裂变。小甜甜到疯女人，你能够相信这是一个人吗？还有另外一个超级男孩组合里的Justin（Justin Timberlake）与珍妮·杰克逊通过超级碗大赛表演上的露乳事件，也足够惊悚了吧？

在音乐界，第一萌派组合，曾经是The Beatles乐队……四个面目光滑，齐头西服，笑容可爱的小伙子，再唱着轻松愉悦的旋律，风靡全球。但他们的裂变也同样惊悚……从轻松到印度瑜伽。从青春小伙子变身摇滚青年。John Lennon甚至做起来裸体示威，成为先锋艺术家和对抗体制者。

Justin Bieber需要谋划一场裂变！

Lady Gaga同样需要变化，或者她的变化来得更加容易，那就是音乐上的突变和进化。这方面她需要好好的向其它艺人学习，尽快转变成为实力派艺人，而不仅仅是一个外貌协会来支撑她沉重的明星道路。

 

乐坛风向标

    无论是永恒的萌派，还是视觉系的雷神。乐坛无比残酷，淘汰也许就在一念之间。

麦当娜和其它艺人的成就代表的是天赋，更是智慧。迈克尔·杰克逊的成功并不是仅仅是天赋，他5岁开始做音乐，20岁初步大红起来，16年的血汗和浸淫音乐，这才产生出如此天才。Lady Gaga和Justin Bieber都只是走进这个行业3年左右的时间，以他们来看萌派或者视觉系会占据乐坛，还很勉强。文无第一，在没有彻底的压倒性的销量之前，这两种流行音乐方式，都不见得能够成为霸主。只有时间能够验证一切。

 

 

写音乐与做音乐终究是两个行当，相当于制造马路和游走在马路上路人。这个比喻或许无法反应这两者的区别，但别指望我说更狠的话。相对于音乐人，乐评人也就是看客而已。一张唱片从写作，到编曲，到录音，到制造出来。需要的心力近乎无穷无尽……反正都是不可量化的。所以蒋明出版这张《再见北方》，真的很值得所有乐评人尊重……谁让你录不出来呢。

从事媒体十几年的蒋明，居然真的把压箱底的作品拿了出来。足够令人惊诧，但并不惊悚，我们根本无从所知，譬如在旺仔街头汹涌的人潮中谁谁会唱歌，蒋明的歌曲惊动我们那些颗老心灵，最终的关键点还在音乐本身。

“游子吟”放在第一首歌曲，与唱片标题《再见北方》相互呼应，而派遣一个小朋友来演唱则体现出整张唱片的概念：少年出游，再难回头。或者这就是蒋明在写作这张唱片时候，心态。作为文人的唱片，一连串的歌曲的名字也充分的表达了这个概念。“跳舞女孩”、“某年某日的爱情”、“时光小唱”等等，直到第九首“少年游”无不围绕这个主题。客观的看来，这些歌曲，应该是他20岁到30岁之间写作。只有这个时候的人，才会那么的珍惜失去颜色的爱情。才会蹲在街边上默默等待时间溜走，或者快乐或者伤感的莫名而去。青春谁没有些乱七八糟的失落失恋失意呢？

我们在似水流年当中，在死水微澜的少年生活中，离家而去，终于在世事当中会感觉辛劳或者寂寞。或者逐步发现自己失去的或者从前没有在意的爱恋。就像所有怀旧一样，因为你年岁已高，因为你已经无法回头，所以你要慢慢的鼓足勇气开口唱歌。仿佛蒋明这样。你可以弱化掉这些音乐符号，改尔拾起岁月的梦境。

唱片请了同是民谣人冬子先生制作，整体和声丰满，绝对专业制作。蒋明的嗓音在辨识度上略弱，但胜在清晰温软，颇有儒者味道。很值得反复聆听。或者音质不会像什么所谓发烧碟那么动态巨大，但作为一张民谣唱片已经算是制作精良。

  那么我写到这里结束吧，像蒋明一样唱到了那个游子岁月的尾声……这张唱片也是结束。更希望是一个新的开始。

 

游子吟：这首歌曲的歌词更时候大众围观，道尽了如今四处游走谋生的群体。

跳舞女孩：看来是蒋明梦中一直萦绕的那个女子声音，带着浓厚的感情演唱出来。情到浓时方恨少呀。

少年游：这是整张歌曲里面我最喜欢的，各方面都非常不错堪称佳作。

游子吟：蒋明自己演唱的，另有一番风味，听完却颇为期待男女合唱。

自从文艺青年这个词多年前变成骂人话之后，很少有明星敢于给自己贴上这个标签。尤其是大陆的艺人们。人多嘴杂，在大陆地区大约多好一个词，被十几亿张嘴说一遍之后，怎么都要变味道。作为执掌选秀歌手牛耳地位的李宇春，猛然暴发出版一张《会跳舞的文艺青年》唱片，实在让人担心，文艺青年这个词重新要从人们嘴里再过一遍。这次该不会又变成骂人话吧？

旅行的意义与文艺青年的精神非常吻合。自从凯鲁·亚克《达摩流浪记》被偷偷引进国内，自从《在路上》成为无数嬉皮士的指导刊物之后，文艺的关键就是要出门流浪，或者不断的狂奔穿越。那么在李宇春的唱片中，“没有计划的旅行”成为城市蓝调演绎下的徐徐微风……乘坐豪华奔驰越野车去没有计划的旅行吗？驴友会歧视的。这并不能带动起文艺精神，反而是豪华精神吧？

当我们在每天都需要乘坐精神的地铁，在被拥挤推撞和生活的压力中，轻轻的舞蹈时候，文艺可以放在随身的书里面，可以放在随身的IPOHNE里面，可以借住记忆力投射在脑海里面回旋。但如何在城市的地下地面跳舞到像李宇春一样飞起，的确是需要更多天才。

所以城市里基本没有天才。那么乡村里面呢？昨天一个朋友说早起有两个天使般好看的小孩敲门送了李宇春全纪录给他。很贵吗？他说不清楚，应该吧。好吧乡村不适合文艺青年。因为太贵了。那么乡村也就不能文艺复兴吗？
    李宇春非常的勇敢，事实上，笔者认为她必定是个历史人物。作为中性化的标签，她深深的烙印在中国文化的精神开发历史上。作为选秀之王，她则刻印在中国电视娱乐历史上。这两者当以前者更为重要。

在八十年代还要因为流氓罪被枪毙的国度，李宇春将中性化彻底普及到保守的大陆地区，如此成就根本无需音乐来鉴定她的成败。这才是真正的文艺。

那么这张唱片，从舞曲，到小清新，再来流行情歌最后以一首安静的唱爱，拉上落幕。大部分李宇春写的歌词，还有其它作曲人谱曲，包括亮点之一卢广仲写的歌曲。复杂的风格，显得唱片风格繁杂，这点并不够文艺。一张编排紧密的唱片，应该有核心的概念，从歌词到音乐。而李宇春写的歌词也颇有为赋新词强说文艺的感觉。

还是莫谈文艺，走自己的让别人去说去。

推荐曲

文艺青年：每天围着文艺作品及文艺活动转圈的群体，有着投身文艺的向往和期待，期待生活在浪漫或者乌托邦中。

小清新：从北欧开始的一种现代音乐类型，它没有音乐的界定，却有着清新自然的感觉划分。

卢广仲&小聪明舞曲：歌坛新潮人里面创作能力超强的个性才子。上海出生海外长大，歌曲写得破有新意。

凯鲁·亚克：著名美国小说家50-60年代创作的《在路上》等书刊60年来一直是文艺青年的精神别册。

川子《我要结婚》

 

上周在深圳路过了一个叫幸福里的楼盘，这周就听到了一首名叫《幸福里》的歌曲。而MSN上大批大龄白领剩女口口声声要求结婚。这时候居然就听到了这张《我要结婚》的唱片，不得不说，川子的歌曲还真是够城市，够生活，够……悲催吧。国产民谣之所以成为民谣而不是小清新，大约就来自这种来不及悲痛，就已经沉溺其中的生活。这个城市里堆聚了无数的痛苦元素，而且每个人都能够任意开口将之编写成歌谣，但每个人却又离不开这里。所有的痛苦和悲催，仿佛一记记耳光，猛烈的抽在自己的脸上，抽在每个路过幸福里，向里面踮着脚眺望的人脸上。川子的歌曲充满无奈。因为这生活就这么无奈，我们都生活在一个既定了规则的梦境。我们似乎能够感觉到，醒来会更好，但更多却不想醒来，看见赤裸的自己竟然躺在大街上，看见所有人都那么麻木而僵硬的在这城市里穿梭。川子的歌曲，在音乐性上可以说是零。但在梦境里却是天堂的诗歌。这是民谣，北京的，也是如今中国大城市的最切题的民谣诗歌。

我要结婚：主打歌曲，歌词可以当大龄剩女的时代凯歌。不明白是讽刺，还是安慰，反正就那样吧。只要你看得开就是队歌，看不开就是骂人。

幸福里：深圳的幸福里，4万一平，先交50万再选房子，选不上50万都不退回。看来北京也是一样。如果你觉得幸福，就请你去买这样的房子。然后再听听这首痛快的歌曲。

郑钱花：川子脏兮兮的胖脸上，总要有点欲望的表达吧。

过时的丝袜：70年代的人总能听懂这首歌曲。60年代的人估计是懒得理会了。50年代的人已经不会说话了。那么2000代我们一起来听听吧。

幸福的紫砂巾：俄罗斯民谣恶搞版吗？

蓝宝石：老歌填词翻唱。挺难听的

钟：听这个有点迪克牛仔的感觉。

今生缘：继续翻唱吧。

 

方大同《15》

听到方大同全新唱片《15》，的确有种“新”的氛围。从第一首歌曲，几乎完全是迈克尔杰克逊式样的节奏和尖叫，到找来吉他高手为歌曲里面配上大量riff（重复段落）。专辑中多首王子式的放克曲风，从头到位都透着一股黑人音乐的味道。在华语乐坛，如此浓厚黑人感觉的音乐实在比较大胆和锐意。当然这里还是要批评方大同的拿来主义，这些歌曲几乎都能找来原版，或者看到某位国外音乐大仙的影子。华语音乐的进化一般都来自欧美音乐新的风格的引进。但更重要的是本土化，诸如周杰伦，使用大舌头的方式解决了说唱发音的华语本土问题。而方大同则在多首歌曲里面同样是扭曲华语发音，甚至大段的使用英文，这种本土式创新，取得的效果还是很强大。至少，这是一张不错的舞曲唱片。也是音乐性非常强的唱片。哪怕是乐器的演绎挤占了歌手的位置，使得方大同歌星的地位略有弱化。但作为一个创作歌手，也作为自己的制作人，方大同做出了一张很完整的概念化唱片。

1.Gotta Make A Change ：专辑最有舞曲魅力的歌曲，很有迈克尔·杰克逊的味道。值得反复聆听。当然临睡前还是换歌吧，否则容易蹬被子的。

2.昙花：延续上一首歌曲，昙花般反复出现的一个小灵感。

3.张永成 (Feat. Ghost Style) ：听吉他吧，如同迈克尔·杰克逊每张专辑要找个著名吉他手合作一样。

4.因为你：路过吧，这首歌曲就这个效果。（含下面两首）

5.情胜策略

6.无菇朋友

7.自以为 (Feat. 徐佳莹) 徐佳莹的俏皮和方大同骨子里的天真结合在一起，这是首好玩的歌曲。

8.二人游

9.Over： 非常动听的一首慢热歌曲，适合做谈情时候的背景。方大同的咬字吐气也非常有趣。

10.Take Me：放克味道浓郁的歌曲，够黑人的，够王子范的。

11.好不容易：这首还算是“传统”情歌吧。或者喜欢老牌港台流行金曲的人能喜欢。

12.Over Reprise：非常有个性的一首歌曲，还是黑人，和吉他。

从超级流行明星席琳迪翁 (Celine Dion)，到另类得没边的莱昂纳多·科翰 (Leonard Cohen)，从孤傲知性的乔妮·米歇尔（JONI MITCHELL），到红透2010年的贾斯汀·比伯（justin bieber）。加拿大音乐人，早已经渗透进入美国娱乐业市场，并且获得了越来越多的成就。

今年刚刚颁布的格莱美音乐奖，加拿大人收到了最佳乐队，最佳摇滚乐人等诸多重要奖项。其中老将尼尔·杨获得此奖尤其令人瞩目。一来是相见恨晚，按照知名度和乐迷拥护成分，他至少也是加拿大的鲍勃·迪伦，在美国知名度也不会弱于蓝领皇帝布鲁斯·斯普林斯汀，但从艺40年之后才获得此殊荣，实在太晚。二来，本届加拿大特种音乐部队，他获得的奖项重要性并不算突出。

而在上世纪九十年代大陆打口唱片的潮流中，一直有一个名字被炒作得很火——布里安亚当斯 (Bryan Adams)，他号称是加拿大伐木工，一口喑哑磁性的嗓音，一度被誉为与摇滚铁公鸡豆沙嗓洛史·都华（Rod Stewart），以及斯汀（sting）并论的，摇滚三高！

还有一长串的名字和故事，如何摇滚小魔女艾薇儿Avril，“大魔女”阿拉尼·莫里塞特 (Alanis Morissette)。以及迷倒诸多文艺男女的莱昂纳尔科昂 (Leonard Cohen)等等，加拿大新老歌手，纷纷以自己的方式在美国，在世界乐坛划定自己的势力范围，为人们合力描绘出一张极富侵略性，而且越来越大的加拿大音乐地图。

加拿大地理上位于美国北部。气候寒冷，山区，林地众多。历史上分为魁北克法语区和英语区。由于本国人口（3300多万）与土地比例偏小，目前是欧美发达国家中不多的移民国家之一。然后就如此小的人口基数却能够培育出如此众多杰出的音乐人才。令人不得不奇怪。

加拿大人音乐文化非常丰富。本土的印第安人如同黑人般拥有漫长的音乐文化传统，诸如猎歌、武士歌、巫歌。而从公元1604年开始，加拿大就是法国人的殖民地，首先是地罗亚尔，3年后又建立如今著名的魁北克。大量法国移民涌入，带来了更多法国歌曲，20世纪初曾经搜集整理出2万多首法国传统民歌，这个数字甚至令法国本土震惊，而且他们还保存了相当多，今天的法国都已经失传的音乐——这些大多是依靠口口相传的方式，在加拿大流传至今。

1756年英法在加拿大爆发7年战争，最终英国获胜。于是整个法国文化骤然改变成英语语系，但在北部地区法语文化仍然有着根深蒂固的生命力。在音乐方面，加拿大仍然倾向法国的传承，于是，在中小学教育中，保持了相当牢固的音乐教育培训机制。

每个孩子都要学会一两件乐器，每个孩子都要参加演唱和合唱训练！这两条铁律应该是加拿大音乐成长的根基。

音乐奖项的鼓励以及各种音乐节和音乐赛事，也是加拿大音乐人才层出不穷的原因之一。号称加拿大格莱美的朱诺（Juno）奖，是加国最重要的音乐奖项，当然这里主要鼓励流行音乐体系——在加国哪怕是最严肃的歌迷也并不排斥流行音乐。POP音乐固然有其年龄层次比较低的特性，但从音乐制作技术水准以及歌曲的创造性方面，并不会比其它类型的音乐差。尤其是创造性。所有音乐奖项最重视的都是创造性。于是有拱廊之火乐队获得今年年度格莱美大奖，事实上，去年他们已经纵横加国的各大音乐奖项。另外一个有意思的现象，加国的音乐奖评委独立性非常强，并不会音乐歌手的知名度或者唱片公司多么大牌有钱而动摇评选标准。著名案例是2008年席琳迪翁 (Celine Dion)在朱诺奖上，被32岁歌坛才女菲斯特5比0击败。菲斯特的唱片在美国只有50万张，总量跟席琳迪翁 (Celine Dion)动辄以亿为基数的唱片销量无法相提并论。但评委们仍然给了她最高评价。

加拿大还拥有众多音乐节。这几乎已经是加拿大人的传统节日了。无论是如雷贯耳，吸引了无数摇滚乐迷的蒙特利尔音乐节。还是同样在蒙特利尔的国际爵士音乐节。都是加拿大人的盛典。这些音乐节同样刺激本土艺人，并且为艺人们提供了良好的国际化舞台，为加国的艺人走出国门提供了非常优质的展示机会。

正因为如此，加拿大拥有多元素的文化，法式音乐，英式音乐以及邻国美国的娱乐业的影响，在这片国土上，刺激了一代又一代音乐人。而移民文化浓厚的他们，也更愿意走出国门，去好莱坞发展自己的音乐。

唐妮娅·特温 (Shania Twain)、莎拉·麦克斯朗 (Sarah Mclachlan) 、丹尼尔·波特（Daniel Powter）、sum 41乐队、SIMPLE PLAN组合、包括今年2010年与痞子阿姆合作而爆红的Rihanna，以及如今已经成长为真正天后的Beyonce。这一长串的名字代表了加拿大艺人的丰硕成果。叱咤美国乐坛，激动世界乐坛。越来越多的加拿大艺人走向乐坛巅峰。昔日60年代英国乐人入侵美国。今天，轮到加拿大音乐人从美国走向世界。格莱美奖四组加拿大艺人分获最重要的综合类奖项，就是其中例证之一。

写着这篇文章的时候，不停的播放着莱昂纳多·科翰(Leonard Cohen)的歌曲。这已经是无数中国文艺工作者的至爱音乐，或许我们无论是在家里还是办公室或者汽车里，一直听着他的歌曲老去，或者逝去。年轻的人们则会接班从贾斯汀·比伯（justin bieber）慢慢一路走来，接茬听着。

这就是厚积薄发的加拿大音乐魅力。

你会变成什么样子。在同等的时间，状态，夜晚当中。你不会是天使，更不会是天空。

只有爱，要重新描绘成激动或邂逅吗？你带着无穷蓝色的光雾，从远山到雪地里面。从天空到碧蓝的湖水中，用热情一刀断喉，用狂风缠绵入骨？

你是落下去的棋子，再也迈不开脚步，就只能等待无关的胜负？

 

午夜的星群。蓝色和黑色的徽记，用星星散发着光芒。当我们来自清晨。那曾经享有的朝阳，活力四射的云霞和疯狂的青春，铰接在一起舞蹈。谁来凝视这新鲜、刺目的太阳？一百年一百年的被它，燃烧成血肉的泥浆，或者干枯的骨骼。

我们会记得一起走过去的时候。牵着手。只有太阳。看不清彼此的面孔。在窗棂上放着玲珑的水杯，轻轻的喝到肺腑的深处。

大约这所有的青春。就在你的梦境中欢笑？

抬起头来。你可以再见我这一次的笑容。这一次咸咸的笑容。

你我，每时刻都在巨大的钢琴中缠绕着钢弦。笑容的铁。和撞击的柔。哪个盒子也装载不住。更别提铭刻什么勋章和荣光，去到时光之上。

 

越来越亮的白雪和越来越大的风扑了过来。我带着沉重，从路这头走到那头。有的蚂蚁就这样，踩在所有缝隙当中，小心翼翼的举着一点叫爱情的果。

根本没有人要求你这么做。根本没有人会真正注意到，你手里拿着的究竟是什么。

吱吱作响的爱呦。

最后，炊烟如黑色纱帐，绵绵厚厚的糊在窗台上。烟会是最白的雪，烧着了所有旁观者的眼眸。

 

我们并肩推着轱辘。从路中间走到路边，又一起笑着推到沼泽中间。死去多时的泥土会溅湿我们的鞋、眼睛、头发。

要一起醉着游泳过去吗？

然后车开了。所有沉重的金属舞者，都会唱起来最响亮的歌。所有铁屑和锈迹，都在爱的潮湿里面，一遍又一遍的凋落。

等你举起火炬，狂奔着追赶着光，和所有起舞的人。点燃自己。或者点燃光线。或者点燃爱之后。

总之是灰烬。

蓝天里装满了灰烬。

 

你我拥抱着，何时熔点会更低？何时不再不停融化？

何时听见黎明的暖，然后选择最美的尽头。

 

谁在说：看，云端，像不像我们，在，并肩的走……

 

 

最近很懒，懒得把写的东西发上来。酝酿写点别的，长篇幅的题材。

文李文枫

孙燕姿从四年前出版并不成功的《逆光》，以一套很糟糕的企宣策划制作出来一个更加糟糕的MTV，因而导致市场对她开始渐渐疏离。今天重新归零的孙燕姿，再次从新的东家美妙音乐出发。发布出新专辑《是时候》，新的十首歌，以《世说新语》这个严肃的开头，中间夹杂了貌似四年的心路历程，《愚人国度》、《追》等歌名无比带着暗示，最后的《是时候》将专辑同名歌曲作为结尾，仿佛说，是时候再次出发了。

从钢琴才女开始，孙燕姿一直是流行歌坛上比较另类而且更加自由的代表。自弹的钢琴和自己创作的歌曲，而且与唱片公司谈判的时候还能够把控自己的创作空间。从孙燕姿十一年前刚刚迈入歌坛，但今天。她是流行音乐制造机器上，真正的实力派歌者、创作者、和文艺的践行者。《我要的幸福》、《风筝》这两张唱片更加奠定了她创作天后的基础。《天黑黑》、《遇见》、《逃亡》等等歌曲也成为传唱一时的畅销歌曲。至今在卡拉OK当中，这些歌曲都高踞点唱率前列。

如同孙燕姿这样的创作型歌手，能够在事业的前6年就达到如此高峰，可见其勤奋与努力。除了前面说到她的那几首歌曲，还有后期的《完美地图》、《完美的一天》、《心愿》这些歌曲——被多个大牌古巨基、梁咏琪歌手翻唱成粤语版本，还有其它诸如庾澄庆、萧敬腾等新老歌手都曾经翻唱她的歌曲。这样的成就在华语女歌手当中非常罕见。

不过，新的这张唱片《是时候》显然是孙燕姿的一次全新尝试。专辑里面第一点不同就是多了更多其它人创作的歌曲。其次，孙燕姿基本上抛弃了钢琴，整张唱片几乎没有听见她自己弹琴唱歌了。第三，孙燕姿俨然尝试起了摇滚乐的风格，当然之前她也喜欢甚至专门翻唱披头士乐队等老摇滚乐。这次她终于开始自己也摇摆了起来。

《是时候》开篇的主打歌曲《世说新语》是一首流畅的流行歌曲，词曲都不是孙燕姿出品，歌曲也接近如今台湾流行音乐的调调，歌曲拖长的语调，还有在高潮处总要有个降低姿态的转折等等，只能说这首歌曲是个迎合之作，估计也是新东家的要求。下一首好听的歌曲是《愚人国度》，自从《逆光》大陆版被改名之后，国度这个词大陆版本是否也会被要求调整很是令人期待，但歌曲旋律还是比较流畅。最后一首比较出跳的歌曲，就是专辑同名的《是时候》。总之这三首歌曲的目标很清晰，就是为了流行，为了重新将孙燕姿有点过气的名头推向市场的，特意而为。

摇滚乐风格的有《疯了》、《追》、《空口言》等居然都是孙燕姿自己写的。令熟悉她的人不禁浮想，她是否要改弹电吉他了……

如同汪峰在大国唱片出版的第一张唱片一样，4年离开市场的孙燕姿，在歌曲的选取和编排上显然与新东家做了不少妥协。包括形象……平板身材居然穿性感低V来开唱片发布会，并且拍摄唱片MV，这不得不说孙女士有点豁出去了。作为另一半八卦爱好人士肯定会想为何她如此拼？联系唱片里面唱腔显得荒废而无力……4年的时候够生个娃了吧，难道她是为了奶粉钱才这么博？不过好处是，我们可以期待未来她的第二张唱片。按照汪峰、阿姆复出第二张唱片都远好于第一张唱片的前例来看，孙燕姿下一张唱片才是真正的闪亮点。如今这张出来过渡就没什么可说的了。

这块骨头想念着家

评民谣歌手李志第四张唱片《你好，郑州》   李文枫

 

上世纪六十年代，鲍勃·迪伦在纽约的街头，唱起了《答案在风中飘摇》，这首民谣歌曲已经流传了50几年。王洛宾《在那遥远的地方》创作年代则更加遥远，大约是上世纪四十年代初。在当代中国原创音乐中，民谣也从1993年的校园民谣风转而走向摇滚乐及先锋音乐的繁盛。但最终2000年初网络对音乐彻底冲击下，动辄需要大批设备演出，需要更高成本录音的摇滚乐最终落下阵来。从2003年民谣音乐以其简单的形式，低廉的成本，逐步占据了国内乐迷的空间。

李志是国内民谣的佼佼者之一。从高中开始弹着吉他进行自己的独立思索，到1997年上大学乃至1999年退学之后，十年过去，他推出了4张自己录制的唱片，基本都是独立发行。前面两张《梵高先生》《被禁忌的游戏》是口袋音乐帮他发行。大约就是自己找了个电脑录下来，然后自己掏钱印制，口袋音乐负责发行分成的形式。这两张唱片与同时代的小河和万晓利的独立唱片发行时间略晚。之后，李志在2009年推出《我爱南京》今年9月份推出第四张唱片《你好，郑州》。

四张全部独立发行的唱片，为李志造就了一定的知名度。尽管不能如万晓利在十三月发行唱片那样，带来更高的知名度和一定的金钱。但李志四年十张唱片的产量，在国内独立音乐界已经算是非常高产。而且随着时间推移，乐迷们厌倦了国产流行歌曲，厌倦了那些国家机关选播的音乐之后。李志这类歌手有着越来越宽阔的未来。

 

他第一张唱片《梵高先生》写作的时间大约是在学校期间，以及逃课时代。其实这一代很多人都发现了大学的把戏。大部分时间和课程仍然是应试教育，当他们大学毕业的时候，手里拿着那张毕业证走上社会，却发觉一切需要重头再学。李志只是比较早的发现了这个问题，然后选择了自己的应对方案。《梵高先生》这张唱片的歌词中，表现出晚熟但多知的扭曲心态。晚熟是因为应试教育，导致青年独立能力的缺失，性格大多比较晚定型，多知则更加可怕，性格不定的时候，更多填鸭式的知识只会带来性格的扭曲和乖张。“谁的父亲死了/请你告诉我如何悲伤/谁的爱人走了/请你告诉我如何遗忘/不管你拥有什么/我们生来就是孤独”，《梵高先生》这首歌曲带来敏感而困惑的情绪。通过这张唱片，李志呈现出孤独而悲伤的情绪。爱人和家人似乎都已经远去。

第二张与第一张同时发行的《被禁忌的游戏》情绪基本上与《梵高先生》相同两张无论录制还是风格都基本一样。从音乐语言的角度来看，李志在创作这两张唱片的时候依旧停留在少年维特式样的烦恼阶段。成长成熟的身体和对生活的恐惧，对未来的迷茫，令爱情和死亡交缠纠结。于是自伤自杀的画家梵高就成了唱片名字，而与“性”息息相关的“被禁忌的游戏”亦成为另一个关键词。这个被禁忌也具有死亡的多重意义。语言的模糊性往往会指向诗歌。诗歌中的句子，往往会有多重意义。所以，从此时开始，李志被称为诗性民谣，或者城市诗人歌手。

 

2009年李志已经在民谣圈子小有名气了，《我爱南京》在音乐方面有所拓展，更多的使用了其它音乐手段，增加了乐器，还有编排的复杂性。但歌曲的核心并没有变化，尤其是文字上面，更加的诗歌化，文学化。似乎李志放弃了民谣的表现手法，反而将流行符号如歌曲名《苍井空》这类的语言糅合进歌曲当中。这意味着李志逐步从家庭学校这样的小社会圈层，正式迈向整个社会。《天空之城》歌词“谁在遥远的夜空/等飞过的流星/看它照亮谁的路/谁走入了谁梦中/谁用灿烂的笑容/画天边的彩虹/谁的歌谁轻唱谁在听/温柔的心在跳动/彩虹之上的幻城/像爱情的憧憬”包括其它几首歌曲，李志更多的力气用在描绘美好和希冀上。在情感的诉求当中，完成了这张开放心灵的唱片。

民谣歌手情感的转变，带来音乐转变都非常正常。以现代民谣之王鲍勃·迪伦为例，当年他发现电吉他拥有更好的演出效果时，他在一个民谣音乐节上第一次使用电吉他。这导致现场观众抗议，以及退场。但迪伦还是坚持了下来，观众也逐步回到了他的身边。另一次，1968年美国的反战运动中，他的家门口站满了乐迷及愤怒的青年，希望他能够成为民众领袖，带领大家走上街头。但他选择的是全家人漂浮不定的出门旅游，因为无论怎么搬家都会被乐迷找到，大约一年多的时候，一家人不得不住在酒店里。

无论音乐还是艺术的角度，一个民谣歌手，或者歌手，他有权力选择自己的音乐方式，更有权力选择在作品中表达自己的哪方面的情感。被“自由”挟持或者被专制捆缚并无区别。作为乐迷需要的是尊重和选择，继续尊重音乐人，或者选择另一个偶像，都是自由的一部分。这是互相给予的，迪伦的表达代表了民谣歌手的态度，更加独立，更加自由。

 

李志第四张唱片《你好，郑州》，在度过上一张更加摇滚味道的编曲和配乐之后，骤然转变回宁静的民谣。一开场钢琴和吉他的组合，低沉的声音轻轻的吟唱。在音乐的动听性方面有所提升。不过，这种压低式的演唱，在万晓利那边已经被乐迷说熟悉，大家很可能会说，这样有模仿的痕迹。在歌词方面，则彻底摆脱了前面两张唱片说塑造的形象，正式变得成熟和感性，在歌曲里也大谈爱情和过去。毕竟1978年出生的李志已经32岁了，再唱青春和年少就太装了一点吧。从歌曲中，李志表达的信息越来越生活化，从少年的成长峡谷中走了出来。从网上不多的他的照片也可以看出，他不再是一个瘦弱的歌手，却成为了一个白领小胖子。在音乐上，我们旁观者首先是尊重他的创作。当然也未免惋惜，他过去的敏感和抗争彻底成为回忆。他今后的作品已经不可能，再度回头。

李志从2008年开始还是豆瓣上代表月亮消灭乐手小组的红人。成也豆瓣败也豆瓣，他在该小组中，连续发布自己从青年时代到后来的性经历及部分情感经历。虽然没有随意泄露他人的隐私，但曝光自己的隐私，带来所谓文艺青年们钦羡的同时，也被部分人厌恶。最终被联合发起行动，删除与他有关在网络上所有的帖子。这背后是否有某些机构或者政府的介入我们不得而知，总之，李志目前处于半封杀状态。在这种状态中，他仍然写出这张《你好，郑州》，但愿能够为他带来正面的能量。

 

李志肯定能继续走下去。只要他自己不放弃的话。

目前中国大陆的乐迷们充满了饥渴。他们太需要更多的原创音乐了。这种原因是多方面造成的。自2000年互联网冲击音乐产业开始，国内连同港台每年正式上市的歌唱专辑，已经渐渐低于120张。而独立唱片每年更少，大约只有10-30张。独立唱片的听众却在不断的增加。这里从豆瓣可以看到，希望听《你好，郑州》的乐迷是2690人。在2008年数字只有如今的三分之一。包括其它歌手如邵夷贝，唱片推出就已经销售很好，吴虹飞与乐队的专辑也有3000多张的销量，这在独立唱片界是很不容易的事情。

从音乐节的繁盛也可以看到，整个社会对摇滚乐和独立音乐的理解度也在增加。2008年张北音乐节15万人入场。2009年海峡音乐节5万人入场。今年全国数十个音乐节基本都获得了相当高的入场人数。随着社会经济的发展，旅游经济和音乐搅合在一起的事件会越来越多，无论如何这个市场都会需要大量的音乐人，创作和表演。

今年南方都市报主办的华语音乐传媒大奖将歌王奖《年度最佳男歌手》颁发给了左小祖咒。而年度最佳新组合颁发给了海丰民谣组合五条人乐队。汪峰也在国内获得多个奖项。

市场的饥渴，艺人的缺乏，都会给李志带来更好的机会。尤其是他已经拥有四张唱片的沉淀，为他的未来会奠定更好的基础。

但是我们也可以预见到，未来李志的转变。流行化或者摇滚化都是可能的。从2009和2010这两张唱片看来，这点已经在发生了。虽然仍然是独立发行独立制作，但歌曲的风格和编配以及歌词都逐步流行化。

台湾的苏打绿主唱青峰不就已经是很多流行歌手御用词曲作者吗？在低成本小制作的时代，独立音乐人介入流行音乐体系是必然的。

我们不能因此说李志等等退化了，罗大佑、李宗盛的都是台湾民歌时代最焦点的人物之一，那么在后来的20几年中，他们却走在音乐流水线上，他们出现在你眼前的时候你会说他们退化了吗？

记得第一次听完李志的《梵高先生》和《被禁忌的游戏》，写了一篇稿子叫《请带这块骨头回家》。少年困惑和狭窄的路大家都走过，但心中总有个坚持，这个坚持可能是吉他，也可能是歌词，综合起来……在李志的内心中，音乐就是他永远不会改变的骨头吧。而我们作为旁观者可以为骨头鼓掌，也可以因为时光而离开他。